研究流行史的人們經常從古典繪畫中，找尋時尚流行的發展軌跡，但自從印象派在畫壇掀起革命性的觀念，加上1888年相機正式問市、1895年電影發明後，世紀末的繪畫界逐步摒棄了寫實觀念，朝向全新的藝術思潮發展。現代繪畫藝術與時尚之間是從此脫節？還是以另一種形態的思維緊密共生呢？

現代藝術觀念改寫現代時尚
二十世紀的歐美畫派，呈現前所未見的百家爭鳴景象，表面上看來，藝術品似乎只是藝術家個人的喜好與才華表現，但從歷史觀點來看，具代表性的藝術主張，其實正反映出當下時代背景的社會思潮。當藝術家的創作與時代脈動吻合，就成為當代的藝術主流，而二十世紀的主流時尚，也與現代繪畫的發展具有同樣的時代意義。BR>
在美術史上，被歸類為現代藝術與近代藝術的分界點，可以說是從「新藝術派」（Art Nouveau）開始的。「新藝術」起源於十九世紀末，以華麗的曲線和複雜的東方與阿拉伯風格裝飾為其特色，對近代設計和工藝帶來極大的影響，當然也對當時的服裝設計造成非常大的衝擊，然而，真正的藝術與時尚革命氣息，卻爆發於「野獸派」興起的時刻。1905年，馬諦蒂斯與他的朋友在法國巴黎秋季沙龍展中，展出了一系列色彩鮮明強烈、色塊與色調單純的畫作，讓繪畫的觀念脫離對自然的模仿，從客觀的形體進而發揮畫家們無限的創意。我們可以說，野獸派帶領西洋繪畫朝向更深度的思維表現，藝術家們專注於藝術的態度大過於技巧本身，自此開始，巴黎藝術與設計界充滿了創新思潮，畢卡索和布拉克的立體主義、表現派、未來派陸續誕生。

但藝術真正全面改寫流行的時刻，卻遲至第一次世界大戰（1914-1918年）。當新藝術、野獸派、立體派造成藝術的觀念革命後，一次大戰時期反戰的達達主義，及後續發展的超現實主義，才完全解放了繪畫和設計的意象。這一點由時裝大師香奈兒（Coco Chanel）的設計成就即可看出，這位設計理念超越其裁縫技巧的服裝革命家，與當時的現代藝術家們密切往來，她更將藝術革命的理念轉化為時裝創作上的素材，從簡潔單純的形式、解放女性的概念，到以強烈的黑色與紅色反映對戰爭的慘痛記憶等等，不僅改變了流行觀念、服裝款式、剪裁，甚至影響了後來服裝的生產製造模式，新的時尚化妝模樣也自此誕生，而所謂的現代流行，至此時才真正開始。

普普、歐普藝術與流行文化
時尚與現代藝術第二次緊密的互動時期，已經是1960年代之後的事了，也是流行成為國際性產業的關鍵時段，此時期的藝術界有一股龐大的勢力正在滋長──那就是「普普藝術」。
普普藝術始於英國，卻在美國紐約發揚光大，並且立即成為一股潮流，吸引全球年輕人的興趣。與其說普普是一種藝術運動，還不如將普普藝術視為設計界的一窩風，因為普普藝術的根源，其實是美國的大眾文化，藝術家們發現當時的人們對美國大眾文化及物質極為崇拜，而從好萊塢電影、流行搖滾樂、美國的消費文化獲得啟發，由於取材原本就符合大眾胃口，也使得普普藝術快速獲得媒體的認同，並加速其染感勢力。

嚴格來說，普普藝術中的繪畫並不等於繪畫，因為它大量以複製、照相、印刷等手法來製作看似「繪畫」的藝術品，並且大量挪用現成的影像權充創意，其手法既粗糙簡易，題材又通俗不入流，但卻完全符合普羅大眾的口味。知名的普普藝術大師安迪．沃荷的作品更影響了各個設計層面，包括服裝、化妝品處處可見其身影。而比普普藝術更早抬頭的歐普藝術，雖然缺乏普普藝術的通俗題材，但其著重光學、系統化、組織化與科技面的技法，卻被廣泛運用於布料的印花上。總括來看，1960年代的流行圖案設計、色彩的多樣化，都與當時的歐普藝術和普普藝術脫離不了關係，這兩大藝術理論對服飾設計的影響力直至今日，如今，設計師們還是經常不自覺地按照歐普藝術中規律性的視覺動感理論，做為設計佈局的圭臬。

時裝素材與繪畫
時裝設計直接向藝術取材在現今的時尚界早已習以為常，但對於充滿反傳統、反文化、反階級意識形態的1960年代而言，時尚設計師將時裝與前衛藝術的結合，似乎是順應著社會思潮而誕生的新流行，其中最著名的例子即是知名的時裝大師聖羅蘭（Yves Saint Laurent,1936-2008）和瑪莉官（Mary Quant, 1934-）。
與香奈兒運用現代藝術的色彩、觀念來解放服裝原有的款式相比，聖羅蘭擅長直接從藝術品中擷取影像融入服裝設計。聖羅蘭認為生活當中藝術無所不在，他喜歡收藏藝術品，更 熱愛現代藝術，特別是野獸派的馬諦斯，還有畢卡索、蒙特里安，和他的好友──普普藝術大師安迪．沃荷的作品，他曾巧妙地將蒙特里安1930年的「結構紅藍黃」的圖像，直接複製於時裝設計。這種純粹將藝術的圖樣直接運用的手法，使得商業藝術和純藝術創作瞬間產生交集，不僅讓一般民眾認為他的服裝具有強烈的現代藝術感，在當時也堪稱創舉。

至於瑪莉官，她除了在布料印花上大玩普普和歐普藝術的概念外，可愛的花朵圖案、普普藝術式的繽紛色彩、簡單的幾何式造型與剪裁，讓時裝別具吸引力，也成為1960年代時尚界的最具代表性的圖騰。

藝術即時尚？？
有些人質疑：流行時尚一定要跟藝術混為一談嗎？的確，流行與藝術絕非必要的拍擋，但流行與藝術的潮流和時代的脈動同源，卻是不爭的事實。流行時尚是一種文化（無論是主流文化或次文化），流行時尚更應該是一種生活，普普藝術的前輩們為了使藝術生活化，選擇和普羅大眾們站在同一戰線，而今，時尚流行界卻反過來，一窩風選擇使用安迪．沃荷的畫來附庸風雅一番，不知是時尚走了倒退路？抑或藝術真正的生活化了？

以藝術的觀點來看，聖羅蘭將現代繪畫的色彩和構圖運用於服裝中，在色彩的配置與人體結構的結合上，至今仍無人能出其右，他在藝術界與時尚界獲得同樣肯定的評價。而近年來時尚界當紅的安娜蘇（Anna Sui），因為在世紀末重新採用了「新藝術」的設計元素，無論在化妝品或包裝設計上，創造出全新的神秘美學，適逢時下歐美文壇與電影界的魔幻風潮，因而普遍獲得消費大眾的支持，也造成時尚設計界一片跟風。

另一方面，在二十一世紀初，我們也看到許多創意玩過頭的彩妝大師，遭到化妝品公司不續約的處置，其原因在於作品既無藝術地位可言，更缺乏商業價值。很可惜，當今仍有某些設計師喜歡以譁眾取寵的手法，硬生生地擷取部分現代藝術的圖像，直接放在服裝秀場上，而非從人體結構、人性觀點或視覺美學、布料產業等等服裝設計的基本概念著手，雖然讓服裝發表會具備新聞噱頭，卻沒有深入的個人主張與設計意念。「藝術生活化」貴在徹底打破精緻藝術與通俗藝術的界限，創造出具有商業價值的作品，服裝秀場的美學在誇張、熱鬧之餘，不知是否能在本世紀第一波金融風暴後，真正體會出「藝術生活化」的真諦？